The second revolution of The REDPRINT World. La segunda revolución del Mundo REDPRINT.
THE REDPRINT: LA DEUXIÈME RÉVOLUTION
The continuation of a five-album mythology where movement becomes liberation, memory becomes legacy, and LA REINA TAÍNA transforms rebellion into self-authorship. La continuación de una mitología de cinco álbumes donde el movimiento se convierte en liberación, la memoria se convierte en legado y LA REINA TAÍNA transforma la rebelión en autoría propia.
About the Album
THE REDPRINT: LA DEUXIÈME RÉVOLUTION continues the world introduced in the first album, but turns the revolution inward toward motion, self-authorship, emotional excavation, and the refusal to remain trapped by people, systems, or former versions of the self. Where LA PREMIÈRE RÉVOLUTION builds the mythology of LA REINA TAÍNA and Rebel Rap, LA DEUXIÈME RÉVOLUTION deepens that mythology by asking what it actually takes to move forward.
From leaving people at the station when they refuse to align, to surviving the belly of the beast, exposing ambition without execution, saying goodbye to the emptiness of the past, and learning to frame one’s own life with the seriousness of a plano fijo, this album is about legacy as lived practice. Through self-reflection, experimentation, mental health, artistic discipline, Black-Indigenous memory, Trans becoming, and the courage to experience life directly, LA REINA TAÍNA builds a second revolution rooted in movement, love, and the refusal to inherit someone else’s fear.
Sobre el álbum
THE REDPRINT: LA DEUXIÈME RÉVOLUTION continúa el mundo presentado en el primer álbum, pero dirige la revolución hacia adentro: hacia el movimiento, la autoría propia, la excavación emocional y el rechazo a quedarse atrapada por personas, sistemas o versiones pasadas de una misma. Mientras LA PREMIÈRE RÉVOLUTION construye la mitología de LA REINA TAÍNA y Rebel Rap, LA DEUXIÈME RÉVOLUTION profundiza esa mitología preguntando qué realmente se necesita para avanzar.
Desde dejar a la gente en la estación cuando no se alinea, hasta sobrevivir en la barriga de la bestia, exponer la ambición sin ejecución, despedirse del vacío del pasado y aprender a enmarcar la propia existencia con la seriedad de un plano fijo, este álbum habla del legado como una práctica vivida. A través de la autorreflexión, la experimentación, la salud mental, la disciplina artística, la memoria Negra-Indígena, el devenir Trans y el valor de vivir las cosas directamente, LA REINA TAÍNA construye una segunda revolución enraizada en el movimiento, el amor y el rechazo a heredar el miedo de otra persona.
LA DEUXIÈME RÉVOLUTION is the second portal of the five-album REDPRINT series. If the first album establishes the grammar of the world, this second album asks what it actually takes to keep moving through it. Across the series, every album functions as a revolution with its own emotional, political, and spiritual focus. This second album turns the revolution inward: toward motion, self-authorship, emotional excavation, mental health, Black-Indigenous memory, Trans becoming, and the refusal to stay trapped by people, systems, or former versions of the self.
The formatting of the titles across the REDPRINT series continues as part of the worldbuilding. The first track enters in all caps with no punctuation, the middle songs appear in all caps with a period, and the final song ends with an exclamation point. In LA DEUXIÈME RÉVOLUTION, that structure becomes a map of movement: a beginning that refuses containment, a series of fixed truths, and a final emotional release. Even punctuation becomes authorship — a symbolic system where every title, mark, and absence carries meaning.
The Second Revolution in a Five-Album World
La Segunda Revolución en un Mundo de Cinco Álbumes
LA DEUXIÈME RÉVOLUTION es el segundo portal de la serie de cinco álbumes REDPRINT. Si el primer álbum establece la gramática del mundo, este segundo álbum pregunta qué realmente se necesita para seguir moviéndose dentro de él. A lo largo de la serie, cada álbum funciona como una revolución con su propio enfoque emocional, político y espiritual. Este segundo álbum dirige la revolución hacia adentro: hacia el movimiento, la autoría propia, la excavación emocional, la salud mental, la memoria Negra-Indígena, el devenir Trans y el rechazo a quedarse atrapada por personas, sistemas o versiones pasadas de una misma.
El formato de los títulos a lo largo de la serie REDPRINT continúa siendo parte de la construcción de mundo. La primera canción entra en mayúsculas y sin puntuación; las canciones del medio aparecen en mayúsculas con un punto final, y la canción final termina con un signo de exclamación. En LA DEUXIÈME RÉVOLUTION, esa estructura se convierte en un mapa de movimiento: un comienzo que rechaza ser contenido, una serie de verdades fijas y una liberación emocional final. Incluso la puntuación se convierte en autoría: un sistema simbólico donde cada título, cada marca y cada ausencia carga significado.
Tracklist & Song Descriptions
1. MOTION
“MOTION” is about refusing to stay stuck for people who are committed to standing still. At its core, this song comes from one of my personal life philosophies: I am conducting my own train, and if you are not aligned with me, my growth, my values, or the direction I am moving in, you will be left at the station. Period. The repeated hook — “Quick motion, moving fast lane” — is not just about speed or confidence; it is about acceleration after stagnation, choosing visibility after being delayed, and understanding that forward movement sometimes requires leaving people, patterns, and old versions of yourself behind.
The thesis of the song arrives near the end: “No repeated cycles. It’s time for you to grow. / Motion is in, I’ll be dancing on my own.” That line is me speaking to my younger self, but also to anyone who knows they cannot keep repeating the same lessons and calling it life. “MOTION” connects directly to the title of my upcoming book, I’ll Be Dancing On My Own, because both are about self-liberation through movement. To move forward, you have to reflect, grow, and do the inner work that frees you. If people refuse to do that work with you, then you keep moving anyway.
2. RELENTLESS.
“RELENTLESS.” begins in “the belly of the beast,” but the beast is not just Jersey, the Tri-State, or Passaic City, the neighborhood that raised me. The beast is America itself: American exceptionalism, American capitalism, American slavery, and the cycle of systems that teach Black people to survive inside structures never built for our freedom. When I name where I come from, I am grounding that larger beast in a real place, a real building, a real roof, and a real version of myself who spent COVID looking up at the sky because the roof was one of the only places where I could think, breathe, dream, and confront who I was becoming. The song moves between hunger, place, memory, and self-liberation: “I was born in the belly of the beast,” but also “On the roof where dreams could be / On the roof I felt like me.”
The word “relentless” is personal because it was once given to me by someone whose power made the word feel like it belonged to people unlike me. I had heard “relentless” attached to white men, ambition, authority, and force, not to a Black person like me trying to survive and build a life with heart. But the word stayed. It followed me through middle school, high school, university, and now into my art because it was true before I fully knew how to claim it. I am relentless because I do not give up on myself, on the people I love, on the art I create, or on the future I know I am building. The repetition of “RELENTLESS” becomes more than a hook; it becomes a declaration that depression, anxiety, and the beast itself did not get to be the end of me.
3. BICH TALKIN’ BOUT.
“BICH TALKIN’ BOUT.” is about people with big dreams, but no follow-through. This song originates from former friendships and relationships where I found myself surrounded by people who talked endlessly about who they were going to become, but never built the discipline, ambition, or structure to actually become it. I helped people plan businesses, organize ideas, build documents, map out projects, and imagine futures they were not prepared to execute. Over time, that drained me because I was pouring vision, labor, and foundation into people who wanted the fantasy of success without the work of transformation. So when the hook says, “Bich talkin’ bout ‘imma be the best,’” I am exposing that pattern: the performance of ambition without the reality of action.
At the same time, the song is not just a call-out. It is also a self-liberation record. I use my vulnerability the way I often do in my music: as a weapon, as transmission, and as transformation. When I name bipolarity, autism, DV, SA, brokenness, shame, and the exhaustion of the “good girl” cliché, I am refusing to let those truths be used against me. Instead, I turn them into force. “BICH TALKIN’ BOUT.” is me revealing the difference between people who talk about power and people who become powerful by doing the inner work, feeling the pain, and building something real from it.
4. ESTE VACÍO MÍO.
“ESTE VACÍO MÍO.” is me speaking directly to my past self. The “vacío” is not just sadness, loneliness, or heartbreak — it is the emptiness I carried inside me for most of my life, the cold wounded space that formed before I had the language to understand what was missing. The chorus repeats “este vacío mío / este vacío herido / este vacío tan frío / mis ojos lloran ríos” like a grief ritual, because the song is circling the wound instead of running from it. It is the sound of looking at the emptiness honestly, naming it as mine, and allowing the tears, repression, confusion, and pain to finally have language.
As the song moves forward, it becomes a conversation with the younger self who had to become quiet, small, and wounded for too many years. The “niño lindo” in the lyrics is not a simple identity claim; it is a memory of the version of me who was misunderstood, repressed, and divided before she could become whole. By the end, when the song turns toward “más girlie y femenino” and closes with “adiós vacío mío,” I am not just describing transition — I am saying goodbye to the former self who lived inside that emptiness. The song becomes a farewell, a release, and a transformation: I honor the wounded self, but I do not stay trapped inside her pain.
5. PLANO FIJO
“PLANO FIJO” comes from my identity as a filmmaker and the way film school taught me to understand the power of a still shot. In cinema, a plano fijo can make an image feel regal, sacred, heavy, or unforgettable because the camera refuses to look away. When a film begins or ends with a still shot, it gives grave importance to what is being seen. In this song, I take that idea and apply it to my own life: I want every scene of my life to matter. I want my body, my art, my memories, my beauty, my direction, and my becoming to be framed with the same seriousness as a shot that asks the audience to sit still and witness it. That is why the repeated question — “¿Qué es un plano fijo?” — becomes more than a film term; it becomes a question about focus, presence, and the right to be seen with importance.
The song also expands that stillness into a larger meditation on art, Latinidad, ancestry, and self-direction. I am not only asking for “películas de calidad” or “arte real”; I am asking for a life composed with intention, where even the small, lost, misunderstood, or “maldito” things are worthy of being framed. The song moves from cinema into identity — asking what it means to be Latino, naming how we are seen by “gringos,” and then returning to ancestors, Abya Yala, Taína presence, Quisqueya, and belonging. By the end, “PLANO FIJO” becomes a proclamation that my life is not background footage. My life is the scene. My life is the frame. My life deserves to be held still long enough for its meaning to be seen.
6. I MUST SEE IT FOR MYSELF.
“I MUST SEE IT FOR MYSELF.” is about refusing to let people who already reached their own position, status, or power decide what my path is supposed to look like. So many people have tried to advise me, redirect me, correct me, or tell me what I “ought” to do, but my life has taught me that I cannot understand alignment through somebody else’s instructions. I have to experience things directly. I have to experiment, immerse myself, test the world with my own body, my own mind, my own ego, my own curiosity, and my own desires. When I repeat “I must see it for myself,” it is not just independence for the sake of pride; it is the truth of how I learn, how I create, and how I know whether something is actually meant for me.
The song is also about self-determination as legacy. I am not rejecting help because I think I am above people; I am rejecting the idea that anyone else can experience my destiny for me. What someone else sees as failure, risk, fantasy, or too much, I may experience as beauty, clarity, purpose, or proof. That is why the song moves from focus and jealousy into mogul language, destiny, generational wealth, mental health, growth, and THE REDPRINT II being “for the rebels.” I have to see it for myself because my vision is mine, my life is mine, and the legacy I am building cannot be inherited from somebody else’s fear or misalignment.
7. THE WORLD IS LOVE TO ME!
“THE WORLD IS LOVE TO ME!” comes from a phrase that moved me while watching Louis Vuitton’s Men’s Fall-Winter 2021 fashion show directed by Virgil Abloh — a show that made me think deeply about Black excellence, beauty, inheritance, and what it means for us, as Black people and descendants of Africa, to keep creating magnificence in a world that has tried to make us disposable. The song is rooted in that contradiction: despite marginalization, depression, violence, war, heat, grief, and everything this world does to break people, I still feel a relinquishing love for the world, for nature, for society, and for life itself. When I repeat “The world is love to me,” I am not being naïve. I am making a spiritual and artistic proclamation: beneath the chaos, the world in its essence is still love, and my life is still mine to shape, free, and leave as a legacy.
As the final song, this track holds the emotional thesis of the whole album and the larger REDPRINT series. It brings together the fine line between mental division and survival, making lemonade from what life gives you, rising from concrete like a rose, living with scoliosis, embracing queerness, naming Pachamama, standing as a philosophical Black Trans woman in rap, and refusing to become soulless. The song is not saying the world has been gentle. It is saying that even after everything, I still choose love as a worldview, as a force, and as the final frequency of the project. That is what I want people to take from this song, this album, and the entire series: the world is wounded, but the world is still love to me.
1. MOTION
“MOTION” trata de negarme a quedarme estancada por gente que está comprometida con quedarse parada. En el centro de esta canción hay una de mis filosofías de vida más personales: yo estoy conduciendo mi propio tren, y si no estás alineado conmigo, con mi crecimiento, mis valores o la dirección en la que voy, te vas a quedar en la estación. Punto. El hook repetido — “Quick motion, moving fast lane” — no se trata solamente de velocidad o confianza; se trata de acelerar después del estancamiento, escoger visibilidad después de haber sido retrasada, y entender que avanzar a veces requiere dejar atrás personas, patrones y versiones viejas de ti mismo.
La tesis de la canción llega casi al final: “No repeated cycles. It’s time for you to grow. / Motion is in, I’ll be dancing on my own.” Esa línea soy yo hablándole a mi yo más joven, pero también a cualquiera que sabe que no puede seguir repitiendo las mismas lecciones y llamarle vida a eso. “MOTION” conecta directamente con el título de mi próximo libro, I’ll Be Dancing On My Own, porque ambos tratan sobre la autoliberación a través del movimiento. Para avanzar, tienes que reflexionar, crecer y hacer el trabajo interno que te libera. Si la gente se niega a hacer ese trabajo contigo, entonces tú sigues moviéndote de todos modos.
2. RELENTLESS.
“RELENTLESS.” comienza en “the belly of the beast,” pero la bestia no es solamente Jersey, el Tri-State o Passaic City, el vecindario que me crió. La bestia es Estados Unidos mismo: el excepcionalismo estadounidense, el capitalismo estadounidense, la esclavitud estadounidense y el ciclo de sistemas que les enseñan a las personas negras a sobrevivir dentro de estructuras que nunca fueron construidas para nuestra libertad. Cuando nombro de dónde vengo, estoy anclando esa bestia más grande en un lugar real, un edificio real, una azotea real y una versión real de mí misma que pasó COVID mirando al cielo porque la azotea era uno de los únicos lugares donde podía pensar, respirar, soñar y confrontar quién me estaba convirtiendo. La canción se mueve entre hambre, lugar, memoria y autoliberación: “I was born in the belly of the beast,” pero también “On the roof where dreams could be / On the roof I felt like me.”
La palabra “relentless” es personal porque una vez me la dijo alguien cuyo poder hizo que esa palabra se sintiera como si le perteneciera a gente que no se parecía a mí. Yo había escuchado “relentless” asociado con hombres blancos, ambición, autoridad y fuerza, no con una persona negra como yo tratando de sobrevivir y construir una vida con corazón. Pero la palabra se quedó conmigo. Me siguió por la escuela intermedia, la high school, la universidad y ahora entra en mi arte porque era verdad antes de que yo supiera completamente cómo reclamarla. Soy implacable porque no me rindo conmigo misma, ni con la gente que amo, ni con el arte que creo, ni con el futuro que sé que estoy construyendo. La repetición de “RELENTLESS” se vuelve más que un hook; se vuelve una declaración de que la depresión, la ansiedad y la bestia misma no iban a ser mi final.
3. BICH TALKIN’ BOUT.
“BICH TALKIN’ BOUT.” trata sobre gente con sueños grandes, pero sin seguimiento, sin ejecución. Esta canción nace de amistades y relaciones pasadas donde me vi rodeada de personas que hablaban sin parar de quiénes iban a ser, pero nunca construyeron la disciplina, la ambición ni la estructura para realmente convertirse en eso. Yo ayudé a personas a planear negocios, organizar ideas, construir documentos, mapear proyectos e imaginar futuros que no estaban preparadas para ejecutar. Con el tiempo, eso me drenó porque yo estaba derramando visión, labor y fundamento en gente que quería la fantasía del éxito sin el trabajo de la transformación. Por eso, cuando el hook dice “Bich talkin’ bout ‘imma be the best,’” estoy exponiendo ese patrón: la actuación de la ambición sin la realidad de la acción.
Al mismo tiempo, la canción no es solo un call-out. También es un disco de autoliberación. Uso mi vulnerabilidad como muchas veces lo hago en mi música: como arma, como transmisión y como transformación. Cuando nombro bipolaridad, autismo, DV, SA, estar rota, vergüenza y el cansancio del cliché de la “good girl,” me niego a dejar que esas verdades se usen en mi contra. En vez de eso, las convierto en fuerza. “BICH TALKIN’ BOUT.” soy yo revelando la diferencia entre las personas que hablan de poder y las personas que se vuelven poderosas haciendo el trabajo interno, sintiendo el dolor y construyendo algo real desde ahí.
4. ESTE VACÍO MÍO.
“ESTE VACÍO MÍO.” soy yo hablándole directamente a mi yo del pasado. El “vacío” no es solamente tristeza, soledad o desamor; es la emptiness que cargué dentro de mí por la mayor parte de mi vida, ese espacio frío y herido que se formó antes de que yo tuviera el lenguaje para entender qué me faltaba. El coro repite “este vacío mío / este vacío herido / este vacío tan frío / mis ojos lloran ríos” como un ritual de duelo, porque la canción está rodeando la herida en vez de huir de ella. Es el sonido de mirar el vacío con honestidad, nombrarlo como mío y permitir que las lágrimas, la represión, la confusión y el dolor por fin tengan lenguaje.
Mientras la canción avanza, se convierte en una conversación con el yo más joven que tuvo que volverse callado, pequeño y herido por demasiados años. El “niño lindo” en la letra no es una simple declaración de identidad; es un recuerdo de la versión de mí que fue incomprendida, reprimida y dividida antes de poder volverse completa. Al final, cuando la canción gira hacia “más girlie y femenino” y cierra con “adiós vacío mío,” no estoy solamente describiendo una transición; estoy despidiéndome del yo anterior que vivía dentro de ese vacío. La canción se convierte en despedida, liberación y transformación: honro a ese yo herido, pero no me quedo atrapada en su dolor.
5. PLANO FIJO
“PLANO FIJO” viene de mi identidad como cineasta y de cómo la escuela de cine me enseñó a entender el poder de un still shot. En el cine, un plano fijo puede hacer que una imagen se sienta regia, sagrada, pesada o inolvidable porque la cámara se niega a mirar hacia otro lado. Cuando una película empieza o termina con un still shot, le da una importancia grave a lo que se está viendo. En esta canción, tomo esa idea y la aplico a mi propia vida: quiero que cada escena de mi vida importe. Quiero que mi cuerpo, mi arte, mis recuerdos, mi belleza, mi dirección y mi devenir sean enmarcados con la misma seriedad que una toma que le pide al público sentarse quieto y ser testigo. Por eso la pregunta repetida — “¿Qué es un plano fijo?” — se vuelve más que un término de cine; se vuelve una pregunta sobre enfoque, presencia y el derecho a ser vista con importancia.
La canción también expande esa quietud hacia una meditación más grande sobre el arte, la Latinidad, la ancestralidad y la autodirección. No estoy solamente pidiendo “películas de calidad” o “arte real”; estoy pidiendo una vida compuesta con intención, donde incluso las cosas pequeñas, perdidas, incomprendidas o “maldito” merezcan ser enmarcadas. La canción se mueve del cine hacia la identidad: preguntando qué significa ser latino, nombrando cómo nos ven los “gringos”, y luego regresando a los ancestros, Abya Yala, la presencia taína, Quisqueya y la pertenencia. Al final, “PLANO FIJO” se convierte en una proclamación de que mi vida no es material de fondo. Mi vida es la escena. Mi vida es el encuadre. Mi vida merece ser sostenida en quietud el tiempo suficiente para que se pueda ver su significado.
6. I MUST SEE IT FOR MYSELF.
“I MUST SEE IT FOR MYSELF.” trata de negarme a dejar que personas que ya alcanzaron su propia posición, estatus o poder decidan cómo se supone que debe verse mi camino. Mucha gente ha tratado de aconsejarme, redirigirme, corregirme o decirme lo que “debería” hacer, pero mi vida me ha enseñado que yo no puedo entender la alineación a través de las instrucciones de otra persona. Tengo que vivir las cosas directamente. Tengo que experimentar, sumergirme, probar el mundo con mi propio cuerpo, mi propia mente, mi propio ego, mi propia curiosidad y mis propios deseos. Cuando repito “I must see it for myself,” no es independencia por simple orgullo; es la verdad de cómo aprendo, cómo creo y cómo sé si algo realmente está destinado para mí.
La canción también trata sobre la autodeterminación como legado. No estoy rechazando la ayuda porque crea que estoy por encima de la gente; estoy rechazando la idea de que alguien más pueda experimentar mi destino por mí. Lo que otra persona ve como fracaso, riesgo, fantasía o demasiado, yo puedo vivirlo como belleza, claridad, propósito o prueba. Por eso la canción se mueve del enfoque y los celos hacia el lenguaje de mogul, destino, riqueza generacional, salud mental, crecimiento y THE REDPRINT II siendo “for the rebels.” Tengo que verlo por mí misma porque mi visión es mía, mi vida es mía y el legado que estoy construyendo no puede ser heredado del miedo o la desalineación de otra persona.
7. THE WORLD IS LOVE TO ME!
“THE WORLD IS LOVE TO ME!” viene de una frase que me conmovió mientras veía el desfile Men’s Fall-Winter 2021 de Louis Vuitton dirigido por Virgil Abloh, un show que me hizo pensar profundamente sobre la excelencia negra, la belleza, la herencia y lo que significa para nosotres, como personas negras y descendientes de África, seguir creando magnificencia en un mundo que ha tratado de volvernos desechables. La canción está enraizada en esa contradicción: a pesar de la marginalización, la depresión, la violencia, la guerra, el calor, el duelo y todo lo que este mundo hace para romper a la gente, todavía siento un amor de entrega por el mundo, por la naturaleza, por la sociedad y por la vida misma. Cuando repito “The world is love to me,” no estoy siendo ingenua. Estoy haciendo una proclamación espiritual y artística: debajo del caos, el mundo en su esencia todavía es amor, y mi vida todavía es mía para moldearla, liberarla y dejarla como legado.
Como canción final, este track sostiene la tesis emocional de todo el álbum y de la serie REDPRINT más amplia. Reúne la línea fina entre la división mental y la supervivencia, hacer limonada con lo que la vida te da, crecer desde el concreto como una rosa, vivir con escoliosis, abrazar lo queer, nombrar a Pachamama, plantarme como una mujer trans negra filosófica en el rap y negarme a quedarme sin alma. La canción no está diciendo que el mundo ha sido suave. Está diciendo que, incluso después de todo, todavía escojo el amor como visión del mundo, como fuerza y como la frecuencia final del proyecto. Eso es lo que quiero que la gente se lleve de esta canción, este álbum y la serie completa: el mundo está herido, pero el mundo todavía es amor para mí.
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